画框

图像的背景即是画框。

数码摄影之前，最常见的画面区域是3:2的水平画框。也是最广泛使用的相机格式。现在胶片的物理宽度不再受限制，大多数中低端的相机采用了更窄更自然的4:3格式。

根据被摄主体和摄影师所选的处理方式的不同，画框边界对影像的影响可以很强烈，也可以很微弱。

对角线在画面中与边界画框相对照，能产生强烈的对角张力，使图像更具动态。

构图时需要考虑画框中有几个主体，如果有多个主体，就要进行平衡，使得主要的主体更突出。

主体大小

如何为主体分配在照片中占据的空间比例：

如果主体很不寻常、很有趣，往往其细节比较重要，应该让其占据更大的比例
反之就应该后退一些使我们能看到一些周围的环境

主体位置

任何一张只有一个主体的照片里，除非采用将画框填满的构图方式，否则总需要决定怎么安排主体的位置与四周留白的比例。一旦决定在四周保留空间，主体的位置就是一个关键。

避免中央构图：缺乏想象力，过于单调乏味。绝对的中心点太过稳定，使画面缺乏动感张力。略微偏离中心会使主体更加融入环境。

如何需要采用不同寻常的构图，那么需要有一个合适的理由，否则整个布局就显得很荒谬和反常。

分割画框

任何类型的任何影像都会自动分割画框（甚至平淡背景上的一个细小物体）。

如果从两个方向分割画框，就会产生一个交叉点。这通常是一个安排视觉重点或其他注意点的好位置。

地平线

地平线对画框进行横向分割。

如果地平线是唯一有意义的元素，那它的位置就非常重要。

如果其它元素富有趣味性，也可以让其占据大部分画面，而不需要太过于在意地平线的位置。

框中框

设计基础

构图的本质是组织，使画框里的的有图像元素有序化。设计重要的是要理解原理，即与各人的欣赏口味没有关系，并可以解释为什么某些照片能给人留下深刻印象，某些影像组织方式会有某种可预计的效果。

构图类似语言：画框是语境，设计基础是语法，图像元素是词汇，元素处理是句法。

最基本的两种原理：对比和平衡。

设计还必须接受限制：观众对摄影的了解。许多观众也许对设计手法一窍不通，但是看过大量照片后也会了解一些惯例。所以，某些构图方法可以被看作是常规的，摄影师可以根据自己的意图遵从或挑战它们。

对比

对比强调的是照片中图像元素之间的区别（影调、色彩、形态等），两个相互对比的元素能相互加强。

平衡

平衡是隐含在对比之中的关系，是对立元素之间的主动关系。平衡是张力的结果，是对立的影响力相互匹配以提供均衡和协调的感觉。如果失去平衡，就会带来视觉张力。

视觉的基本原理是眼睛总会设法寻找某种张力的平衡力。因此，平衡是和谐，是结果，是直观感觉到美学愉悦的状况。

无论我们在谈论的是影调、色彩、点布局还是其它什么东西时，目标都是在寻找视觉的『重心』。

平衡类型

静态（对称）平衡：每样东西到照片中心的距离都相等，较为严肃、沉闷
动态平衡：使用不相等的重量和张力达成平衡，更加生动、活泼

对称平衡的张力被安排在居中的位置。动态平衡处理的则是不相等的重量和张力，这能使影像更加生动活泼。

tip

相比如何进行平衡，先探讨是否需要平衡可能更重要。

动态张力

动态张力是使用各种结构内在的能力，以保持眼睛的警觉并使之从画面中心向外围移动。这与正规构图的静态特性正好相反。

取得动态张力的技术相当直接：一组向不同方向的斜线、相反的线条、任何引导眼睛走出画面的结构手段（最好是相反方向的）。

节奏

当场景中出现一些相似的元素时，通过对它们的布局可以构成有节奏的视觉结构。

眼睛和大脑天生熟练于扩展所见的，会很乐意假设节奏的延续性。因此，感知到的重复影像会比实际看到的更长。

打破节奏的异常事物可以使影响更具动感。最好把该事物放在右边（因为眼睛通常从左往右跟踪节奏化结构，这样让眼睛有足够的时间建立节奏）。

透视与纵深

『恒常比例』现象：两条平等线从我们身边延伸，会聚在远方，但同时我们却能感觉到它们是笔直而平等的。

纵深感对照片来说总是很重要。纵深感可以进一步影响照片的写实性。

摄影必须采用各种策略来加强或减弱画面纵深感。而影像有其自身的参照系，而不是正常的感知系。

线形透视

线形透视的特点是会聚的直线，而这些直线在大多数场景里其实的平等线。

如果相机是水平的，而场景是风光，那么水平线将会聚到地平线。如果相机向上指，建筑边缘这样的垂直线将会聚在天空中的某个点。

收缩透视

收缩透视主要出现在位于不同距离的很多相同或相似的物体。

空间透视

大气灰雾降低了场景远处部分的反差，提亮影调。我们的眼睛会把这作为一个纵深的提示。

影调透视

黑色背景前的明亮物体通常给人感觉很突出，因此有很强烈的纵深感。可以通过安排主体和光线来达到强化纵深的效果。

色彩透视

暖色调具有前倾的感觉，而冷色调则退后。

清晰度

清晰度高往往暗示着近距离，可以通过对焦来使画面的清晰度不同，从而达到强调纵深的效果。

内容的强与弱

有些照片本身的内容就非常充实，过分地考虑构图可能适得其反。

图形与摄影元素

所有形状中，隐隐约约构成的形状很储蓄、不惹眼，是最有用的，能帮助将一幅影像归整成可识别的形态，并通过简单的视觉效果引导眼睛满意地发现它们。

点

单点

单点占据画面非常小，为了醒目，它必须与环境存在对比。

多点

一旦加入哪怕一个点，点之间的距离也会给画面带来距离感。

画面上的两个点会使视线来回地从一点移向另一点，导致两点之间产生隐含的连接线。

画面上的多个点则会隐含地让人感觉占据了它们之间的空间，导致它们组成了区域。

当画面上有非常多的点需要安排时，可以尝试自然随意的构图而非人为安排。

线

大多数线条实际上是边界。

对比在定义视觉线条时扮演了重要的角色。

水平线

垂直线

斜线

曲线

视线

形状

三角形

三角形是摄影构图中最有用的形状，部分因为它们易于构造或暗示，部分因为会聚效果。隐含三角形能给影像带来秩序，需要这种安排的地方通常是那些需要条理性的地方。

三角形天生是一种强烈的形状，非常吸引眼睛。而且，通常只要有两条线就够了，第三条可以假设或者使用合适的画框边界。

画框内构成的三角形应尽量大，充满整个画面，能使得照片看起来具有稳定感。

倒三角则相反，它显得不稳定，更具挑衅性。

用光线与色彩构图

明暗与基调

大多数照片的信息内容主要位于中间影调。然而，阴影和高光能对照片的情绪的气氛产生很大的影响。

如果忽略色彩，影调的分布由对比和亮度决定。把这两个因素当做指南，影像的风格选择基于三个方面：场景的特征、场景的照明方式、摄影师的诠释。

构图中的色彩

色相：色相是各种颜色之所以得名的特性
饱和度：饱和度是色相的密度或纯度
明亮度：明亮度决定了色相是黑暗的还是明亮的

强烈的色相以多层次的方式被感知，除了光学现实有关之外，也与文化和经历相关联。不同的颜色有不同的象征意义，应根据要拍摄的场景和主题来选择使用合适的颜色。

三原色

红色被认为是最强烈、密度最高的颜色，具有前进的倾向，可以强化纵深感。它充满活力、生机、强烈、温暖、炎热，暗示激情、侵略和危险。
黄色是所有颜色中最明亮的，甚至没有黑暗的形式。它精力充沛、锐利、坚定、好斗、欢乐，能与太阳以及其他光源相关联。
蓝色比黄色收敛，倾向于安静，相对较暗，显得冷静。蓝色较透明，有很多形式，很多人难以精确判断。

三补色

绿色通常是正面的，象征生长、希望和进步。绿色的负面关联则是疾病和腐烂。
紫色是难以捉摸的、稀有的颜色。难以寻找、捕捉，也难以精确再现。紫色是富有、奢侈、神秘、浩瀚的象征。
橙色温暖、强烈、辉煌、有力，也代表炎热和干燥。

色彩关系

色彩必须按彼此之间的关系来处理。视觉相邻的色彩不同，它们的感受也不同。

色彩组合

两种和谐关系：

互补色和谐
相似色和谐

不同的色彩被人们感受到的亮度值是不同的。例如，黄色最亮，紫色最暗。

色彩重点

一小块对比色具有聚焦的效果。最明显的效果是当环境是相对水色的，而纯色相占据了局部区域。这种特别形式的色彩对比无可避免地会显得更为突出，称之为地方色彩。

温和的色彩

除非在人造的环境，强烈的色彩在自然世界上相对稀少。

温和色彩更细微，提供更安静甚至更优雅的愉悦。

黑白

黑和白更能全面地表现影调变化、质感再现、形式模型和定义形状。